PERSONEN

Ablinger, Peter   (*1959)    Komponist

Peter Ablinger

*1959

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Peter Ablinger, geboren am 15. März 1959 in Schwanenstadt/Österreich. 1974-76 belegte er ein Graphikstudium in Linz. Begeistert für den Free Jazz studierte er von 1977-79 Jazz-Klavier an der Musikhochschule Graz. 1979-82 nahm er privaten Kompositionsunterricht bei Gösta Neuwirth in Graz, und bei Roman Haubenstock-Ramati an der Musikhochschule Wien.

Seit 1982 lebt Ablinger in Berlin, wo er bis 1990 an der Musikschule Kreuzberg unterrichtete und seitdem als freischaffender Komponist tätig ist. 1988 gründete er das Ensemble Zwischentöne, das er bis 2007 leitete und das von Anfang an aus einer Mischung aus Laien und Profis bestand, einer Konstellation, die emblematisch für die Ensemblearbeit und mehr und mehr zu einer Infragestellung falscher Professionalität und Routine wurde. Unzählige Uraufführungen von verwandte Fragen stellenden KomponistInnen wie Christian Wolff, Maria de Alvear, Antoine Beuger, Sven-Åke Johansson, Christina Kubisch, Alvin Lucier, Benedict Mason, Georg Nussbaumer, Pauline Oliveros, Akio Suzuki, etc. erzählen geradezu von einer parallelen, einer anderen Geschichte der Neuen Musik.

Seit 1992 war Ablinger immer wieder als Gastprofessor und Dozent an verschiedenen Universitäten und Instituten tätig. In den letzten Jahren gab es wiederholt Einladungen von US-amerikanischen Universiäten wie der Columbia University New York City, dem BARD College, der Manhattan School of Music, in Yale, Harvard/Cambridge, der University of Chicago, und der Stanford University. 2012-2017 war er Research Professor an der Universität Huddersfield und 2019 Gastprofessor am Conservatoire Den Haag und der Universität Leyden. Ab etwa 2000 wurde auch der ausser-institutionelle Unterricht und die Arbeit mit jungen KomponistInnen, die sich privat an Ablinger wenden, ein fester Bestandteil. Einem von ihnen, Bill Dietz, hat er 2007 die Leitung des Ensemble Ensemble Zwischentöne übergeben.

Neben seiner kompositorischen Tätigkeit initiierte und leitete er etliche Festivals, u.a. die Klangwerkstatt 1990-1992, 1997 Insel Musik, 1998 Zehn Jahre Ensemble Zwischentöne, 1999 Musik für Orte 1-3, 2000 "Für Christian, Nader und Pauline", 2003 "Musik für Hunde" und "Konzept (:Musik)".

Gemeinsam mit Bernhard Lang, Klaus Lang, Nader Mashayekhi gründete er den Verlag ZEITVERTRIEB WIEN BERLIN, der über konventionelle Musikverlage hinausreichend, als Antwort auf die veränderten Normen des Werkbegriffs, der Aufführungssituation, der Notation, der Instrumentenbehandlung, des Instrumentenbaus und der Wahrnehmung selbst verstanden werden kann.

An Preisen und Auszeichnungen erhielt er u.a. 1998 den Förderpreis der Akademie der Künste Berlin, 2001 ein Stipendium der Villa Aurora Los Angeles, 2008 den Andrzej-Dobrowolski-Kompositionspreis für das Lebenswerk, 2010 den Deutschen Klangkunstpreis, 2011 den Ad Libitum Kompositionspreis und 2020 den Österreichischen Kunstpreis.

2012 wurde er zum Mitglied der Akademie der Künste Berlin ernannt. Im selben Jahr wurde das Peter-Ablinger-Archiv der Akademie der Künste Berlin eröffnet. 2012 - 2017 war er Research Professor an der Universität Huddersfield.

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 Aufgeführte Werke von Peter Ablinger:

Veronica (1996) (1995/1996) für Violine und Rauschen
aufgeführt am: 04.06.2019 in Potsdam Kunsthaus sans titre / Raum O
im Konzert: CORPUS Konzert - Biliana Voutchkova bei intersonanzen 2019

Komplementäres Rauschen:
Das erste in der Reihe der "Instrumente und Rauschen"-Stücke. Wie alle weiteren beschäftigt es sich mit dem Rauschen, mit dem Verschwinden, mit Hörbarkeit.
In "Veronica" gibt es 2 Rausch-Farben. In der einen verschwindet der Violinton maximal, in der anderen erscheint er. Beide Arten von Rauschen sind einander komplementär in dem Sinne daß sie keine gemeinsamen Frequenzen enthalten und sich zu weissem Rauschen = alle Frequenzen) aufaddieren ließen.
Kennen Sie die "unwahre" Geschichte von der Schweißtuch-Veronica? Und wissen Sie, daß ihr Name nur ein Anagramm für das "wahre Bild" (vera icon) ist?
(Quelle: https://ablinger.mur.at/i+r1_vl+r.html)

Papillons (2013) für Violine und Rauschen (2003/2013)
aufgeführt am: 04.06.2019 in Potsdam Kunsthaus sans titre / Raum O
im Konzert: CORPUS Konzert - Biliana Voutchkova bei intersonanzen 2019

Eine weitere Komposition aus der Serie „Instrumente und Rauschen“.

einen neuen Titel für Albinger
aufgeführt am: in
im Konzert: bei

Akasaka, Tomoko        Musikerin

Tomoko Akasaka (Viola)

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Tomoko Akasaka ist eine vielseitige Bratschistin, die für ihre außergewöhnliche Ausstrahlung und Bühnenpräsenz als Solistin und Kammermusikerin geschätzt wird.

Sie gewann zahlreiche internationale Preise, darunter den ersten Preis beim 12. Internationalen "Japanischen Klassik-Wettbewerb" und den 3. Preis beim 53. Internationalen Musikwettbewerb der ARD (2004).

Als Solistin trat sie mit dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, dem Münchner Kammerorchester, der Kremerata Baltica, dem Orchestre de Chambre Genève, dem Ensemble Contrechamps, der Filarmonica Banatul Timisoara, dem Venezuelanischen Symphonieorchester und dem Japanischen Kammerorchester unter Dirigenten wie Seiji Ozawa , Johannes Kalitzke, Rüdiger Bohn, Gheorghe Costin, Olivier Cuendet, Roman Kofman und Günther Herbig auf.

Zu den Kammermusikpartnern von Tomoko Akasaka gehören Gidon Kremer, Yuri Bashmet, Daniel Hope, Juliane Banse, Heinz Holliger, Menahem Pressler, Julian Steckel, Andreas Ottensamer, Daishin Kashimoto, das Kuss Quartett und viele andere, mit denen sie bei internationalen Musikfestivals auftrat, darunter die Salzburger Festspiele, das Pablo Casals Festival, die San Francisco Musical Days, die Schubertiade, das Olivier Messiaen Festival.

Tomoko Akasaka ist in Konzertsälen wie dem Konzertgebau Amsterdam, der Victoria Hall und dem Grand Theatre in Genf, dem Konzerthaus und der Philharmonie Berlin, dem Schloss Elmau, der Suntory Hall und dem Schloss Nymphenburg München aufgetreten. In letzter Zeit gab sie Recitals in der Schweiz, in Frankreich, Italien, Deutschland und Japan, eine Konzertreihe in Tokio wurde vom NHK TV in ganz Japan übertragen.

Tomoko Akasaka begann im Alter von fünf Jahren mit dem Geigenspiel und besuchte die Sonderschule der Toho Musikuniversität. Nach ihrem Abschluss studierte sie an der Liszt Akademie in Budapest, Ungarn. Kurz nach ihrer Rückkehr nach Japan wechselte sie zur Bratsche und studierte bis zum Alter von 21 Jahren an der Toho Musikuniversität Tokyo. Danach setzte sie ihre Studien am Genfer Musikkonservatorium bei Nobuko Imai fort, deren Assistentin sie zur gleichen Zeit war. Darüber hinaus war sie Gastprofessorin am Musikkonservatorium von Neuenburg.

Ihre musikalische Beziehung zu György Kurtág hat sie als Musikerin tief beeinflusst. Sie arbeitet regelmäßig mit Helmut Lachenmann und Toshio Hosokawa zusammen und hat zahlreiche zeitgenössische Werke für Viola aufgeführt. Tomoko Akasaka ist seit 2016 Mitglied des Amaryllis Quartetts und lebt derzeit in Berlin.

Seit 2019 ist Sie Inhaberin einer Professur für Viola an der Musikhochschule Münster inne.

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Mitwirkung im Ensemble: "modern art ensemble" in der Besetzung: 2020/08

Beschreibung:

Albert, Thomas   (*1953)    Musiker   Dirigent   Komponist

Thomas Albert

*1953

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Thomas Albert begann im Alter von sechs Jahren Geige zu spielen. Als Hauptfach studierte er Violine bei Josef Bayerlein, Siegfried Borries und Thomas Brandis. Bei Sigiswald Kuijken spezialisierte er sich auf die Barockvioline und spielte bei La Petite Bande mit. Albert gehörte zu den Gründungsmitgliedern des Orchester des 18. Jahrhunderts mit Frans Brüggen und war von 1976 bis 1986 Geiger bei der Musicalischen Compagney. Das Instrument, mit dem er auftritt, wurde um 1680 von Jakob Stainer gebaut.

1978 gründete Albert das Ensemble Fiori musicali, das neben ihm Niklas Trüstedt (Viola da gamba), Stephen Stubbs (Barocklaute) und Gerhard Kastner (Continuo) umfasste, aber später um Holz- und Blechbläser erweitert wurde und die Stärke barocker Hofkapellen erreichte. Konzerte mit diesem Ensemble führten ihn durch die meisten Länder Westeuropas, durch Polen, Russland und Bulgarien sowie die USA. Kennzeichnend für Fiori musicali war die Verwendung der mitteltönigen Stimmung für die Musik des 17. Jahrhunderts. Zusammen mit dem niederländischen Chor Groningse Bachvereniging unter Johan van der Meer leitete Albert als Konzertmeister sein Orchester bei Bachs Johannes-Passion (1979) und Händels Israel in Egypt (1984).

Neben Bachkantaten standen Kantaten norddeutscher Barockmeister auf dem Programm, darunter das Gesamtwerk von Georg Böhm, Nicolaus Bruhns, Franz Tunder und Vincent Lübeck. Durch Albert kam es zur ersten Wiederaufführung von Buxtehudes „Das Jüngste Gericht“. Auch Barockopern wie Händels Almira, Alberts erstes Bühnenwerk (1985), und Keisers „Masaniello furioso“ wurden erstmals in der Neuzeit wieder aufgeführt, weitere Opern zum ersten Mal in Deutschland: Rameaus „La Guirlande“ und Castor et Pollux sowie Händels Theodora. Bis heute liegen seine Schwerpunkte auf norddeutscher, italienischer und französischer Barockmusik.

Im Jahr 1982 gründete Albert das Forum Alte Musik in Bremen, aus dem 1986 die Akademie für Alte Musik Bremen hervorging, die erste deutsche Ausbildungsstätte dieser Art für Historische Aufführungspraxis. 1989 gründete er das „Musikfest Bremen“, dem er bis heute als Intendant vorsteht. Daneben dirigiert Albert auch moderne Kammerorchester wie die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen und arbeitet seit 2002 an gemeinsamen Projekten mit der Beethoven-Akademie.

Albert hat seit 1986 an der Hamburger Musikhochschule eine Professur für Barockvioline und barocke Streicherpraxis inne, ebenfalls seit 1986 eine Gastprofessur am Conservatoire Nationale in Straßburg und unterrichtet seit 1989 als Professor an der Akademie für Alte Musik Bremen, die 1994 in die Hochschule für Künste Bremen aufging. Für seine Verdienste um die französische Musikkultur wurde ihm im Jahr 2011 der Orden Chevalier des Arts et des Lettres verliehen.

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 Aufgeführte Werke von Thomas Albert:

Alexandrov, Alexander        Musiker

Alexander Alexandrov (Fagott, Bassetthorn)

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Mitwirkung im Ensemble: "Moscow Composers Ensemble"

Beschreibung:

Alex Nowitz, Stimme (als Gast)

Allenberg, Kathrein        Musikerin

Kathrein Allenberg (Violine)

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Kathrein Allenberg studierte an der Hochschule der Künste Berlin bei Prof. Thomas Brandis, dem Konzertmeister der Berliner Philharmoniker. Sie arbeitete mit Lehrern wie E. Hurwitz, D. Zsigmondy, T. Zehetmair und I. Arditti. Nach mehreren Spielzeiten im Orchester der Deutschen Oper Berlin entschied sie sich für eine frei-berufliche Laufbahn mit kammermusikalischem Schwerpunkt. Die Auseinandersetzung mit der historischen Aufführungspraxis brachte ein reges Konzertleben auf der Barockgeige durch Europa mit sich. Lange Jahre führte sie ein Streichquartett auf historischen Instrumenten mit klassischem Streichquartettrepertoire.

Von 1995 bis 2011 war Kathrein Allenberg Geigerin des Ensembles für Neue Musik work in progress - Berlin mit temporär eigener Reihe im Kammermusiksaal der Berliner Philharmonie. Wiederaufführungen wichtiger Werke der Gegenwartsmusik standen ebenso auf dem Programm wie zahlreiche Uraufführungen, z.B. schneeblind für Violine solo von Philipp Maintz sowie Werke von Mark Andre, Isabel Mundry u.a.. Sie konzertierte bei den Darmstädter Tagen für Neue Musik, Aspekte Salzburg und anderen zeitgenössischen Musikfestivals. 1996 war Kathrein Allenberg Gründungsmitglied des Kairos Quartetts. 2009 gastierte sie bei György Kurtág an der Central European University in Budapest mit dessen Kafkafragmenten für Sopran und Violine.

Am Berliner Ensemble, dem Theater von Bertolt Brecht, spielte sie lange Jahre mit und unter der Regie von Manfred Karge Weill's Dreigroschenoper in der virtuosen Konzertfassung für Violine und Klavier von Stefan Frenkel. Sie wirkte in George Tabori´s Zirkus um Zauberflöte mit und in Theaterproduktionen der freien Berliner Theaterszene.

2019 spielte Kathrein Allenberg mit viel Erfolg beim Kurt-Weill-Fest an der Universität Buffalo in New York das Konzert Degenerate Music mit Werken von Kurt Weill, Hanns Eisler und Stefan Frenkel.

Seit 2013 ist Kathrein Allenberg Lehrerin der F. M. Alexander-Technik. In eigener Praxis bietet sie Einzelstunden für Musiker*innen und alle Menschen, die ihren Körper mit Leichtigkeit koordinieren möchten.

​In den Jahren 2021 und 2022 erhielt sie Stipendien des Deutschen Musikrats im Rahmen von Neustart Kultur.

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Mitwirkung im Ensemble: "WORK IN PROGRESS - BERLIN" in der Besetzung: 2010

Beschreibung:

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Andre, Mark   (*1964)    Komponist

Mark Andre

*10.05.1964

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Andre studierte von 1987 bis 1993 u. a. Komposition bei Claude Ballif und Gérard Grisey am Pariser Conservatoire National Supérieur de Musique. In Paris promovierte er außerdem an der École normale supérieure über die Musik der Ars subtilior (Le compossible musical de l’Ars subtilior). Im Jahre 1995 erhielt er ein Stipendium des französischen Außenministeriums, das ihm eine Fortsetzung seiner kompositorischen Studien an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Stuttgart bei Helmut Lachenmann ermöglichte. Im Experimentalstudio des SWR studierte er elektronische Musik bei André Richard. 1996 konnte er seine Stuttgarter Studien durch ein Stipendium der Akademie Schloss Solitude weiterführen. Zahlreiche weitere Stipendien und Stipendienaufenthalte folgten.

Seitdem Andre bei den Donaueschinger Musiktagen 2007 für seine Komposition ...auf... III, die sein groß angelegtes Orchestertriptychon ...auf... abschließt, den Preis des SWR Sinfonieorchesters Baden-Baden und Freiburg zugesprochen bekam, wurde die öffentliche Aufmerksamkeit noch stärker auf sein Schaffen gelenkt. Aber auch schon vorher erhielt Andre zahlreiche wichtige Preise, so bei den Darmstädter Ferienkursen (Kranichsteiner Musikpreis 1996). 2002 wurde ihm der Förderpreis des Ernst von Siemens Musikpreises verliehen. Aktuell ist Andre einer der am meisten gefragten Komponisten Neuer Musik. In Berlin lebend lehrt Andre an der Frankfurter Musikhochschule und am Conservatoire de Strasbourg. Im Rahmen des Projekts „into...“, einer Kooperation des Ensemble Modern und des Siemens Arts Programm in Zusammenarbeit mit dem Goethe-Institut, wurde Andres Stück üg, das gemeinsam mit dem Musikinformatiker und Toningenieur Joachim Haas des Experimentalstudios des SWR u. a. in Istanbul entwickelt wurde, im Oktober 2008 in der Alten Oper Frankfurt vom Ensemble Modern uraufgeführt.

Im Jahr 2009 wurde er zum Mitglied der Akademie der Künste Berlin und zum Professor für Komposition an der Hochschule für Musik Dresden berufen. Seit 2010 ist er Mitglied der Sächsischen Akademie der Künste. 2012 : Fellow im Wissenschaftskolleg zu Berlin und Mitglied der Bayerischen Akademie der Künste aus München. Er lebt in Berlin. Am 2. März 2014 wurde seine Oper Wunderzaichen in Stuttgart in der Regie von Jossi Wieler und Sergio Morabito uraufgeführt.

Im Jahr 2017 wird Andre mit dem Kunst- und Kulturpreis der deutschen Katholiken ausgezeichnet.

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 Aufgeführte Werke von Mark Andre:

...zu... (2005) für Streichtrio
aufgeführt am: 24.04.2010 in Potsdam sperlGalerie Zeitgenössische Kunst
im Konzert: Konzert mit WORK IN PROGRESS - BERLIN bei intersonanzen 2010

Die Komposition ist in mancher Hinsicht ein Gegenentwurf zu "…zum Staub sollst du zurückkehren." Der Titel stammt aus der
Offenbarung des Johannes aus Patmos: "Und es wird keine Nacht mehr sein, und sie bedürfen keiner Leuchte und nicht des Lichts der Sonne; denn Gott der Herr wird sie erleuchten, und sie werden regieren von Ewigkeit zu Ewigkeit." Die Hoffnung auf die Herrlichkeit Gottes und des ewigen Lebens ist jedoch für Mark Andre nur der Ausgangspunkt. Das Werk beginnt mit einer Polyphonie von unterschiedlichen Klängen, die jedoch immer weiter reduziert wird und am Ende ganz verschwindet. Die Musik taucht also, wenn man so will, in eine andere Art von Zeitlosigkeit ein.

Andreas, Knut        Musiker

Knut Andreas (Fagott)

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Mitwirkung im Ensemble: "Ensemble le trois en bloc"

Beschreibung:

Mitwirkung im Ensemble: "Test-Ensemble" in der Besetzung: 1990/01

Beschreibung:

Klangkunst (auch Audiokunst oder, aus dem Englischen entlehnt, sound art) bezeichnet die intermedialen Kunstformen, in denen Klänge mit anderen Künsten und Medien zu einem Kunstwerk verschmelzen. Der Klangkunst können aufgrund des unterschiedlichen Zusammenspiels von Klang, Raum, Zeit, Bewegung und Form künstlerische Arbeiten wie Klangskulpturen, Klanginstallationen, Musikperformances sowie medienkünstlerische Arbeiten mit Hörspiel, Feature, Video oder Computernetzen zugeordnet werden.
Während mit dem deutschen Begriff Klang im Allgemeinen das Ergebnis musikalischer Komposition verbunden wird (siehe Klangkomposition), schließt der englische Begriff Sound auch das (Alltags-)Geräusch mit ein, welchem in der Klangkunst eine besondere Bedeutung zukommt. (Alltags-)Geräusche finden dort eine ebenso häufige Verwendung wie instrumental erzeugte Klänge oder Töne.

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Aperghis, George   (*1945)    Komponist

George Aperghis

*23.12.1945

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George Aperghis wurde 1945 in Athen geboren. Seit 1963 lebt und arbeitet er in Paris. Seine Arbeit ist charakterisiert durch die Infragestellung von Sprache und Bedeutung. Seine Kompositionen, egal ob Instrumental, Vokal oder für die Bühne, erkunden die Grenzen der Verständlichkeit. Er kreiert in sich verschlugene Stücke, die die Zuhörer aktiv halten. Geschichten erklingen und verstummen plötzlich wieder.

1971 erschien mit La Tragique histoire du nécromancien Hieronimoet et de son miroir sein erstes Werk für das Musiktheater, dessen profiliertester Vertreter in Frankreich er wurde.

1976 gründete er die Theatergruppe Atelier Théâtre et Musique (ATEM) in Bagnolet (seit 1991 am Théâtre des Amandiers in Nanterre). Hier wurden bis zur Auflösung der Gruppe mehr als zwanzig Stücke aufgeführt, darunter La bouteille à la mer (1976), Conversations (1985), Enumérations (1988), Jojo (1990), H (1992), Sextuor (1993) und Commentaires (1996).

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 Aufgeführte Werke von George Aperghis:

Récitation 10 (1978) für pour voix seule
aufgeführt am: 22.08.2020 in Potsdam Kunsthaus sans titre / Raum O
im Konzert: Ensemble nusmido bei intersonanzen 2020

Die Récitations von Aperghis loten die expressiven Möglichkeiten und Mittel der Stimme in den Übergängen und Zwischenbereichen des Sprechens und Rezitierens, des Sprechgesangs und des melodischen Singens aus. Im Mittelpunkt steht dabei immer wieder der einzelne Silbenklang in der rhythmischen Sprengkraft seiner Konsonanten und der melodiösen Färbung seiner (aus dem Französischen herrührenden) Vokale. Durch unterschiedliche konstruktive Verfahren – etwa in der Kombination bestimmter Tonhöhen mit festen Silben oder in additiv gestaffelten, sich repetierenden Wort- und Silbenreihen – entstehen so musikalische Formen, die die Grenze zwischen semantischer Konkretheit und syntaktisch motivierter Deklamation im expressiven Gestus zur Auflösung bringen.

Récitation 1 (1978) für pour voix seule
aufgeführt am: 22.08.2020 in Potsdam Kunsthaus sans titre / Raum O
im Konzert: Ensemble nusmido bei intersonanzen 2020

Die Récitations von Apergis loten die expressiven Möglichkeiten und Mittel der Stimme in den Übergängen und Zwischenbereichen des Sprechens und Rezitierens, des Sprechgesangs und des melodischen Singens aus. Im Mittelpunkt steht dabei immer wieder der einzelne Silbenklang in der rhythmischen Sprengkraft seiner Konsonanten und der melodiösen Färbung seiner (aus dem Französischen herrührenden) Vokale. Durch unterschiedliche konstruktive Verfahren – etwa in der Kombination bestimmter Tonhöhen mit festen Silben oder in additiv gestaffelten, sich repetierenden Wort- und Silbenreihen – entstehen so musikalische Formen, die die Grenze zwischen semantischer Konkretheit und syntaktisch motivierter Deklamation im expressiven Gestus zur Auflösung bringen.

Récitacion 3 (1978) pour voix seule für pour voix seule
aufgeführt am: 22.08.2020 in Potsdam Kunsthaus sans titre / Raum O
im Konzert: Ensemble nusmido bei intersonanzen 2020

Die Récitations von Apergis loten die expressiven Möglichkeiten und Mittel der Stimme in den Übergängen und Zwischenbereichen des Sprechens und Rezitierens, des Sprechgesangs und des melodischen Singens aus. Im Mittelpunkt steht dabei immer wieder der einzelne Silbenklang in der rhythmischen Sprengkraft seiner Konsonanten und der melodiösen Färbung seiner (aus dem Französischen herrührenden) Vokale. Durch unterschiedliche konstruktive Verfahren – etwa in der Kombination bestimmter Tonhöhen mit festen Silben oder in additiv gestaffelten, sich repetierenden Wort- und Silbenreihen – entstehen so musikalische Formen, die die Grenze zwischen semantischer Konkretheit und syntaktisch motivierter Deklamation im expressiven Gestus zur Auflösung bringen.